Varios libros y escritos con grandes referentes de pintores e ilustradores botánicos han caído en mis manos, valiosos textos y recomendaciones, ilustraciones y bocetos cargados de información que no podía dejar de compartir. Así que te invito a retroceder en el tiempo para identificar los orígenes de la pintura e ilustración botánica, sus picos en la historia y el legado que nos dejan los grandes maestros como referencia de las creaciones actuales, para así poder identificar plenamente una pintura de una ilustración botánica a simple vista.
Los antiguos egipcios pintaban trigo en las tumbas para proporcionar alimento a sus muertos, los romanos exhibieron la opulencia de las plantas en mosaicos rebosantes de flores y frutas, y durante siglos los ilustradores han guardado registros de plantas en libros preciosos. - Sarah Simblet, Botany for the Artist_ An Inspirational Guide to Drawing Plants.
Pintura botánica - orígenes
Las pinturas florales se hicieron originalmente por dos razones principales: como decoración o como un medio para identificar las plantas utilizadas para la medicina. Las primeras representaciones de flores que sobreviven datan de finales del Minoico, período en Creta y el Mediterráneo oriental, hace alrededor de 1700 años, producto de una rica cultura palaciega, con lirios, azafrán y otras flores utilizadas para decorar macetas y maravillosas habitaciones pintadas.
Estas representaciones no son tan antiguas como las pinturas de animales, donde las primeras pinturas rupestres de toros y humanos datan del final de la última Edad de Hielo hace unos 20.000 años. Sin embargo, si retrocedemos un poco más, la verdadera artista es la naturaleza. Los primeros registros de plantas que han durado por miles de años se encuentran en los fósiles, prensados naturalmente entre capas de sedimentos rocosos.
Las primeras pinturas de flores que sobrevivieron son aquellas en la que la flor misma es el objeto principal, probablemente realizadas por pintores chinos en el siglo XIII; estos eran generalmente como rollos de mano, y muestran flores y a menudo frutas y pájaros también.
En Europa, las primeras pinturas de flores puras que sobreviven son de Alberto Durero; su famosa representación de Das großer Rasenstück, el gran trozo de césped y una pintura de peonías datan de alrededor de 1503. Dos generaciones más tarde, hacia 1580 en Florencia, Jacopo Ligozzi pintó una serie de flores realistas, tan precisas y artísticas como todo lo representado hasta el siglo XVIII.
A lo largo de los años, quienes estaban en contacto directo con las plantas como jardineros o científicos fueron los precursores en el arte botánico. Tomaron como un gran recurso al dibujo para representar lo que tenían en frente, con detalle y observación lograron plasmar bocetos y pinturas espléndidas.
Durante siglos, los artistas han usado plantas frágiles y flores como visual metáfora de la temporalidad de la vida humana.
Durante el Renacimiento temprano, en el siglo XV, la pintura se hizo más realista, descartando las figuras estilizadas que son tal característica del arte bizantino. Las figuras, aunque principalmente de temas religiosos, se volvieron más naturalistas y le dio al artista la posibilidad de colocar paisajes y otros objetos en el fondo de las pinturas. La costumbre de pintar flores en los cuadros religiosos se inició en el siglo XV, y continuó durante todo el Renacimiento. Las flores no eran solo para decoración, sino que tenían un simbolismo más profundo.
Mientras se les encargaba a los botánicos y jardineros pinturas de flores individuales, un grupo de pintores de los Países Bajos producía obras que mostraban fantásticos jarrones repletos de diferentes flores; se dice que el primero fue encargado por una señora pobre que no podía permitirse comprar flores frescas o bulbos exóticos.
Un gran referente que tomó el dibujo como base para el diseño textil en el siglo XIX, fue William Morris (1834-1896), que reivindicó desde el movimiento Arts & Crafts la reconexión de la belleza pura del arte con la belleza utilitaria de la artesanía.
Muchas personas apasionadas por las plantas encuentran en los mejores jardines botánicos y privados, espectáculos de horticultura y viveros especializados, todos son recursos inmensamente ricos de los que sacar provecho. Si se busca información científica y belleza en un mismo sitio, los herbarios son tesoros ocultos para el artista, o de hecho para cualquiera que ame las plantas, las formas naturales y la historia. Son colecciones de plantas preservadas, generalmente reunidas a lo largo de cientos de años, junto con libros y obras de arte. Los herbarios se utilizan con fines científicos y están llenos de inspiración para diseñadores, escritores, fotógrafos y artistas.
Ilustración botánica - orígenes
La ilustración botánica alcanzó su primer pico de reconocimiento por un lapso de 100 años, desde 1750 hasta alrededor de 1850. Este fue un período de grandes descubrimientos en biología y otras ciencias, además se registraron grandes avances en las técnicas de impresión junto con la creciente riqueza en Europa para que se pudieran producir hermosos libros de la mano de patrocinadores y compradores.
Pinturas artísticas de flores habían sido hechas a partir de finales del siglo XVII, pero sin publicación, lo que significa que siguieron siendo propiedad privada de las colecciones reales en Francia, Inglaterra, Alemania, Rusia o Austria, o de unos pocos, generalmente nobles, mecenas y coleccionistas.
Los primeros libros botánicos ilustrados eran de hierbas, diseñados para ayudar al lector a identificar las plantas medicinales y comprender sus usos. A principios del Renacimiento se ilustraron algunas hierbas italianas por nuevos pintores; algunas son excelentes representaciones de las flores descritas, aunque el texto sigue siendo básicamente el de Dioscórides quien fue un médico turco renombrado por su aprendizaje y conocimiento de la medicina herbal.
Los primeros libros de flores impresos usaban grabados en madera para ilustración; por lo general eran bastante pequeños y se insertaban en la página con bloques de texto a su alrededor. Para hacer un grabado en madera, la imagen es dibujada sobre un bloque liso de madera, generalmente de haya y el área circundante recortada, dejando el área a entintar elevada sobre la superficie.
Durante el siglo XVII, un número creciente de plantas fueron traídas a los jardines europeos por los viajeros y naturalistas, que también eran a menudo comerciantes o médicos. La botánica se desarrolló inicialmente a partir del estudio de las plantas medicinales y la mayoría de los botánicos se ganaban la vida como médicos o boticarios.
Ya en el siglo XVIII, el naturalista sueco Carolus Linnaeus (1707-1778), profesor de Botánica en Uppsala, simplificó la denominación de las plantas y animales, siendo éste su gran logro; escribió enormes catálogos de todos los especímenes biológicos que pudo encontrar y le dio a cada uno dos nombres: un nombre genérico y un nombre de especie.
Los ilustradores botánicos muestran las características de una especie en particular, preferiblemente en gran detalle, pero en otras ocasiones pueden complacer a sus propias fantasías y utilizar imágenes botánicas para crear interesantes obras de arte.
Arte e ilustración botánica
En el arte, la pintura acabada es el objetivo final del artista, y no tiene más fin que ser admirado. Una pintura o dibujo botánico convertido en pieza de diseño como elemento decorativo, ya sea un cuadro, una lámina, un papel tapiz o una estampación textil para mobiliario.
Dibujar nos abre los ojos al mundo que nos rodea. emociona a nuestra imaginación y nos permite ver y entender las cosas más claramente. Las horas dedicadas a dibujar en el paisaje abierto son un verdadero regalo. Dibujar nos da tiempo para quedarnos quietos para concentrarnos en el tiempo presente, concentrarnos y ser parte de las complejas actividades de la vida silvestre mediante la profunda observación en silencio.
La ilustración botánica tiene un propósito científico, para ilustrar un libro o actuar como un registro de una especie de planta o parte de una planta. La ilustración tiene una generalidad que ignora las imperfecciones del espécimen y así puede representar una especie o forma particular de una especie.
Esto supone algún conocimiento botánico por parte del artista. Al seleccionar un espécimen lo más típico posible y saber qué imperfecciones ignorar. En la ilustración botánica el aspecto artístico no se ve disminuido por el propósito científico.
Habiendo realizado un brevísimo recorrido tanto en el arte como en la ilustración botánica a lo largo de la historia, se podría definir que el arte, dibujo y pintura botánica son creados para el deleite del observador, mientras que la ilustración botánica puede incluir dibujo o pintura realizados artísticamente y que además van acompañados de datos científicos del espécimen o de una o varias partes del elemento botánico, especialmente con fines educativos o científicos.
En la actualidad, existen menos botánicos; sin embargo, hay más artistas apasionados por la botánica alrededor del mundo con mayores oportunidades de mostrar su trabajo, realizar exposiciones y venderlo a través de Internet. Muchos de los cuales a más de pintar y hacer de éste un mundo más bello de admirar, investigan, exploran y descubren nuevos hábitats dando paso a la ilustración botánica contemporánea.
Materiales como la acuarela, el guache o el acrílico son los preferidos por nosotros los artistas para plasmar nuestras creaciones sin dejar de lado el lápiz de color que permite resaltar elementos con sus múltiples matices. La transparencia y sutileza del manejo de capas en la acuarela con las distintas técnicas como húmedo sobre húmedo o húmedo sobre seco aportan realismo y profundidad a elementos cotidianos que de no realzarlos por medio del arte pasarían casi desapercibidos en muchos de los casos.
Gracias a la globalización, los artistas contemporáneos podemos dar a conocer y difundir nuestras obras que van desde trazos simples hasta magníficas piezas de arte botánicas y alcanzar reconocimiento a nivel mundial sirviendo de base para crear patrones textiles, tatuajes, diseño de papelería, collages digitales o murales.
Aquí les dejo algunos de los referentes contemporáneos que pueden inspirarte a crear:
Olga @inisflowers
Kata Zapata @savetheprojects
Shealeen Louise Bishop @shealeenlouise
Polly Hill @pollyhill1313
Art of Noemí y Santiago @picturatusconservacion
Hannah @field_and_frame
Susie @bobandmarge
Media @mediajamshidi
Alice @alicelovesdrawing
Marini Ferlazzo @mariniferlazzo
Bibliografía:
Martyn Rix - The Golden Age of Botanical Art-University Of Chicago Press (2013)
Sarah Simblet - Botany for the Artist_ An Inspirational Guide to Drawing Plants
Ann Swan - ILUSTRACIÓN BOTÁNICA CON LÁPICES DE COLOR
Valerie Baines - Classic Sketchbook. Botanicals. 20 Secrets of Observational Drawing-Rockport
Valerie Oxley - Botanical Illustration (2009, Crowood Press)
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